Del dicho al hecho, Atelier Romo y la educación profunda en el arte

Reconocido artista visual contemporáneo, Sebastián Romo es también un convencido de que el arte es fundamental para crear una sociedad sana; con esa premisa funda en el 2009, Atelier Romo, un espacio de enseñanza alternativa que, a través de la multidisciplina y la educación profunda, evoluciona el concepto de educación artística y lo fusiona con la profesionalización. Sebastián Romo se dedicó a la enseñanza artística desde muy joven, tanto en la institución pública como privada, y en ambos casos se encontró con barreras similares que alejaban a los jóvenes de la creación artística profesional.“Hay una dicotomía muy marcada en lo que es el mundo del arte y la educación artística. Creo que hay que hacer un esfuerzo por acercar a los estudiantes de arte a los mecanismos reales de la profesión”. Explicó el artista en entrevista con la Revista Cultural Alternativas. Para Romo, este distanciamiento nace de distintos factores:“Por un lado son prejuicios culturales que hemos heredado, como la idea romántica del pintor solitario encerrado en su estudio, produciendo objetos bellos, como si fuera incapaz de establecer un contacto directo, una responsabilidad con el trabajo, la sociedad o el momento histórico en el que vive”. Además menciona al sistema, cuya desactualización y rigidez juega en contra de los jóvenes que salen a competir distanciados de la profesión y sus retos en el mundo del arte. “Por otro lado, los sindicatos y una serie de mecanismos en muchas escuelas y talleres donde los maestros ya no están actualizados o están completamente fuera del circuito y no ayudan a que la gente pueda estar más cerca del mismo. La academia tiene muchos mecanismos que no están logrando actualizarse a la misma velocidad que las redes sociales, que nuestros tiempos, que el acceso a la información, tutoriales en YouTube, etcétera”; declara Sebastián Romo. Por supuesto que no todo recae en la academia y eso lo sabe Sebastián, que entiende que en esta generación existe una comodidad que desmotiva a la creación y a la búsqueda, que genera apatía en algunos casos. Y es que afortunadamente en México ya existen espacios y plataformas donde los artistas pueden difundir, comercializar y explotar su talento a través de la creación artística, lamentablemente estas puertas abiertas han creado, en algunos estudiantes, una comodidad en la que se sientan a esperar que el éxito algún día toque sus puertas. “Creo que la proactividad, pasar del dicho al hecho, el hacer, sigue siendo fundamental; sobretodo cuando ciertos mecanismos están muy cortados por distintos intereses políticos, económicos, de tradiciones, con más razón el artista tiene que ser proactivo”; explica Sebastián Romo. Ante esto y respecto a la frustración que como docente sentía al no poder saciar el hambre creadora de sus alumnos, decidió abrir su taller e invitar a jóvenes de diferentes instituciones a reunirse, aprender y crear. Así nació Atelier Romo, hace ya 11 años. “Estaba muy frustrado porque traté de varias maneras, al interior de las escuelas, de proponer nuevas estrategias, programas, etc., y siempre por una u otra razón no se podían implementar”.Paso a paso, Sebastián fue dándole forma a un proyecto de educación alternativa que tiene como uno de sus pilares el aprendizaje multidisciplinario.  “Creo que cada disciplina es una suerte de idioma, digamos que la costura es el alemán,la carpintería es francés, la comida italiano, el cuerpo el inglés, etcétera; mientras más idiomas hablemos, más sistemas de pensamientos vamos a tener para resolver un problema en concreto”.El programa evolucionó hasta que se convirtió en lo que hoy conocemos como Atelier Romo, espacio en donde, cada sábado y durante todo el día, se exploran temas desde 6 ejes rectores distintos: El cuerpo que sensibiliza, la teoría que da contexto y conocimiento, el dibujo como lenguaje universal, la comida para construir comunidad y nutrir, el taller es el espacio donde se materializan las cosas, y en el cine encuentran el paliativo a la ausencia de la posibilidad de viajar. “La idea de educación profunda tiene que ver con todo aquello que te acompaña en la vida cotidiana”; puntualizó Sebastián Romo. La educación profunda, fundamento de este sistema, se aleja de la meritocracia y busca como fin realmente aprender. Otra característica es que los alumnos de Atelier son quienes deciden qué es lo que quieren aprender durante el curso. “Realmente mucho del programa de Atelier está diseñado para empoderar, para ampliar la visión, y está completamente conectado con la idea del buen vivir y del bienestar”.Y en cuanto a los profesores y artistas colaboradores, se convierten en productores que acompañan a los jóvenes estudiantes, en lugar de proveedores que solo comparten conocimiento.“El arte es la única cosa, el único tema que tenemos que ha sobrevivido a lo largo de la historia de la humanidad. El arte es lo último que la inteligencia artificial va a lograr a hacer, es lo que nos hace humanos y lo que nos ayuda a ampliar nuestro rango de visión para entender el mundo de otras maneras posibles”. Explicó Sebastián Romo con respecto a priorizar la enseñanza artística.Actualmente Sebastián Romo se encuentra terminando una exposición que recopila 10 años de Atelier Romo, en colaboración con Arte Abierto, que se exhibirá en diciembre próximo; mientras que en marzo iniciará una nueva generación de estudiantes. Aprender y hacer, los estudiantes deben acercarse a la creación y la institución debe buscar maneras para facilitarlo. “La profesionalización tiene que estar dentro de las escuelas”, exclama Sebastian Romo, cuya exitosa trayectoria artística se compagina con la misión de evolucionar y mejorar la enseñanza artística en México.Este texto se publicó originalmente en la Revista Cultural Alternativas 122: bit.ly/Alternativas122

Color en la ciudad: la calle y sus estéticas

¿Qué trasfondo tiene el arte urbano?, ¿cuáles son sus significaciones detrás de lo que vemos a simple vista?, porque no siempre se trata de solo una imagen: es un escaparate, una disrupción o símbolos sociales.Toda aquella expresión realizada en los muros, paredes u otras superficies con el apoyo de insumos como pinturas (sean vinílicas, acrílicas o en aerosol), papelería como plantillas (esténcil), empapelados (papeles de pequeño o gran formato pegados con resinas) o stikers (pegatinas o calcomanías), son conocidas y categorizadas como graffiti, street art o arte callejero. La intervención de distintos espacios, generalmente en el contexto de la ciudad, tiene una carga importante de significados que corresponden a formas culturalmente particulares de ser, hacer y estar en el entorno urbano. No solo es intervenir por intervenir los muros, lo que vemos es que las intervenciones responden a un conjunto de códigos y símbolos socialmente compartidos que tienen como resultado el ejercicio de identidades socioculturales muchas veces poco entendidas y en ocasiones estigmatizadas.Si se desea observar qué está detrás de la acción de marcar los lugares es importante precisar cuáles son las intenciones y los objetivos de quienes realizan street art, graffiti, etc. El primer aspecto que hay que comprender para descubrir aquello que nuestros ojos no pueden ver es la cuestión de la concepción simbólica del espacio urbano. Lo que es evidente es que el espacio urbano, desde un punto de vista arquitectónico, fue diseñado y creado para cumplir con una o varias funciones, entre ellas generar un paisaje que facilite el tránsito y el acceso contiguo a bienes y servicios, las fachadas de edificios, bodegas y casas cumplen una función meramente formal (es decir, para lo que fueron hechas). Pero cuando observamos que los espacios han sido intervenidos, estos han sido reinterpretados y se les ha asignado un uso distinto, dejaron de ser no lugares (Augé, 1993) para convertirse en sitios relacionales con identidad y vida propia ya que son contenedores de experiencias, remembranzas y significados; una vez que son intervenidos figuran y tienen sentido en el imaginario de quienes plasmaron la obra, pieza, firma, etc., y los espectadores: se genera un apego al lugar (Vidal, Pol, 2005).Como segundo aspecto argumentamos que lo que ayuda a explicar o entender qué esconde el arte callejero son los códigos culturales y las normas o reglas socialmente compartidas (por ejemplo, en el ámbito del graffiti existen los crews o agrupaciones de escritores de graffiti) como la calidad, cantidad, dimensiones, grado de complejidad, formación de estilo propio, lugar donde fue realizado, el control sobre la técnica del aerosol y sobre otras técnicas artísticas, principalmente (Castleman, 2012).Como tercer aspecto podemos afirmar que las intervenciones surgen con la intención de comunicar una estética con contenidos propios, evidentemente con el soporte de una comunidad que posee en bagaje para interpretar lo que se realiza en los muros. Por ejemplo, si nos referimos al graffiti como arte callejero, la idea, desde el inicio, es llevar la estética de lo producido a espacios nunca utilizados, ya fuera por su difícil acceso o por la proyección que generaban en el espacio público. Desde esta lógica realizar arte urbano o graffiti en las calles tiene un doble beneficio: es de fácil acceso y la probabilidad de ser visto es mucho mayor.En este sentido, la calle se convierte en el mejor lugar de exposición y es ahí donde podemos comprender la proliferación y variedad de las intervenciones. Quienes practican graffiti o realizan street art encuentran la posibilidad de mostrar la calidad de su trabajo en espacios que histórica y socialmente les han sido negados, las calles se han convertido en vitrinas públicas, son el espacio que se ofrece para todas y todos y que se caracteriza por ser un lugar diametralmente opuesto a los museos y galerías de arte donde lo privado impera sobre lo público.Las intervenciones que se realizan en las calles, muchas de ellas en el marco de la ilegalidad, por lo regular causan disrupción ya que son interpretadas desde cánones estéticos que pertenecen a otro contexto, en la opinión pública encontramos comentarios que cuestionan la calidad y las intenciones que tienen las personas que intervienen los muros. Aunque se entienda poco o mucho sobre el quehacer de escritores de graffiti y artistas urbanos, es seguro que lo que se desea es generar un paisaje urbano donde conocedores, aficionados y detractores tengan una experiencia visual distinta del espacio urbano, se trata de darle color a la ciudad. Referencias bibliográficasAugé, Marc (1993) Los “no lugares” espacios del anonimato. Una antropología de la sobremodernidad. Barcelona. Editorial Gedisa.Craig (1987). Getting up. Hacerse ver. El graffiti metropolitano en Nueva York. España, Capitán Swing editorial.Pol, Enric. Vidal, Tomeu (2005). La apropiación del espacio: una propuesta teórica para comprender la vinculación entre las personas y los lugares. Anuario de Psicología, vol. 36, nº 3, 281-297. Facultat de Psicologia Universitat de Barcelona. Recuperado de https://www.raco.cat/index.php/AnuarioPsicologia/article/view/61819/81003Job Emmanuel Alba Ángel. Licenciado en Antropología Social. Ha sido docente de Nivel Medio Superior en asignaturas como Historia Universal, Historia de México y Ciencias Sociales. Actualmente es docente de Nivel Superior en el programa de Antropología Social de la Universidad de Guanajuato e investigador en el Departamento de Investigación del Instituto Municipal de la Juventud. Especializado en estudios de la ciudad: prácticas culturales en el espacio urbano, significación del espacio urbano y jóvenes y espacio público.Facebook: Job AngelEste texto se publicó originalmente en la Revista Cultural Alternativas 122: bit.ly/Alternativas122

El arte es crisis: Carta a un amigo en tiempos de pandemia

Carta a un amigo en tiempos de pandemiaQuerido Daniel:Me quedé reflexionando sobre lo que dijiste en la última carta. Yo entiendo el arte como la manifestación simbólica de la conciencia de ser y estar en el mundo, por ejemplo: Los caprichos de Goya no sólo son un registro histórico, dan cuenta de la dimensión humana atemporal; Efraín Huerta en Poemas prohibidos y de amor dice: Y dominaronPues con el alba toda,con el torno, el tractor y las espigas,el trabajo tenía un fresco sentimiento de triunfo.Y triunfaron.Del Báltico al Pacífico, un rumor,una llama, una virtud nacía;y hubo estatuas y ejércitos.Y hubo también un hombre(ningún hombre en el mundo trabaja más que él),un hombre de ardoroso metal,un hombre de sobrehumana calidad, un soviético: Stalin.En otro poema del mismo Efraín leemos:ved a este niño: madrileñocinco años, el cuerpo destrozado;tiene sonrisa de ave, tiene ojos de miseria. Evidentemente, el valor estético del primer párrafo rebasa su germen y el desacierto ideológico queda en segundo plano. Lo importante es que tanto Stalin como el niño son representaciones simbólicas de las posibilidades de la existencia humana. Pensaba además en la porosidad de los conceptos, ayer leía en Muerte sin fin:lleno de mí-ahíto-me descubro en la imagen atónita del agua.Sin ser una metáfora, hay una extrañeza que se sustenta en la apertura del concepto, es otra forma de decir: me veo reflejado en una superficie; al captar el tipo de relación que hay entre dos fenómenos podemos cambiar el contexto y renovar el lenguaje. En ese mismo poema Gorostiza dice:Y un reposo gentil de muerte niña, sonriente, que desflora un más allá de pájaros en desbandada.Esa imagen me lleva a la frase La risa sale revoloteando de él como una nube multicolor (Así habló Zaratustra). En ambas hay originalidad y además semejanza. Según yo entendí con Wittgenstein que aunque nada nuevo hay bajo el sol, nos queda la relación, y el ensanchamiento del mundo se debe al surgimiento y destrucción de relaciones que sólo pueden nacer y morir cobrando conciencia de que esto que tengo ante mí, acaso, pueda ser de otro modo por una relación distinta, abriendo así nuevas categorías con los mismos referentes. Entonces, si no son las cosas, sino la relación entre ellas lo que introduce la novedad, el artista, en un darse cuenta, irrumpe en la continuidad y elige otro modo de relación, a partir de ahí separa, juzga y decide qué hacer con esto que por ahora es así; en eso radica la creación. Andaba yo en estos piensos y decía, entonces el arte es, en esencia, crisis. Porque si crisis se deriva del griego krísis “decisión”, “juicio”, “discernimiento” y se emparenta con Krino “juzgar”, “reflexionar”, el arte es crisis. Más tarde encontré una conferencia del historiador chileno Roberto Soto que reafirmó mis intuiciones al respecto, dice “No se puede estar en crisis sin crítica, por lo tanto, la crisis es un proceso espiritual y no la descripción de un acontecimiento externo como un terremoto, que puede ser un gran desastre pero no necesariamente llevar al hombre a una crisis, la crisis es un proceso de revisión”. Pensé entonces ¿Y acaso no es ésta la esencia del arte? Espero tu amable respuesta y espero en Dios que este estado de cosas nos ponga en crisis.                                                                                                                Flor BoscoNota: Estas son las dos ideas principales en la reflexión. “Yo entiendo el arte comola manifestación simbólicade la conciencia de sery estar en el mundo.”“el artista, en un darse cuenta, irrumpe en la continuidad y elige otro modo de relación, a partir de ahí separa, juzga ydecide qué hacer con esto que por ahora es así; en eso radica la creación.” Flor Bosco (León, Gto., 1970). Licenciada en Comunicación por la Universidad Iberoamericana. Artista visual, ensambladora de objetos y palabras, cuenta con más de 50 exposiciones entre individuales y colectivas. Su obra ha sido expuesta en varios recintos oficiales del país. En el año 2000 funda el taller Mundo Quimérico. Desde 2010 ha escrito cuentos y poemas como soporte para su obra plástica. Ha publicado los libros de artista: “4 haikús, de la serie Desde el exilio” (2017) “Tipos de moscas” (2018) “Saben mi nombre” (2019) “Postergar la apostasía” (2020) con la editorial Navegante/Arte múltiple. Ha publicado serie corta de poemas en la revista bilingüe La Presa, Embajadoras Press, Ontario, Canadá y en Tres Pies al gato revista digital, 2018, 2019 y 2020.Este texto se publicó originalmente en la Revista Cultural Alternativas 122: bit.ly/Alternativas122